Todo un homenaje a aquel mundo del celuloide y a sus grandes estrellas e intérpretes. Los cuadros van enmarcados a modo de fragmentos de las viejas cintas cinematográficas.
El comisario de la muestra es Julio Mendoza ha rodado una película sobre esta serie pictórica de Jaume Estartús, con la intervención de Manuel Gutiérrez Aragón, J.G. Astudillo, David Bardía y Julia Sáez-Angulo, además del propio pintor y el comisario. La película se presentará en la Academia del Cine el día 10 de octubre.
Julio Mendoza escribe en el catálogo de la muestra: “En esta colección y exposición de pintura, eventuales exposiciones, el artista Jaime Mestres Estartús ha escogido el tema del Cine Negro Americano, como una lógica y casi inevitable continuación o ampliación de su investigación temática y pictórica en las precedentes series tituladas People. Personas, acciones, escenas en muchos casos cotidianas, en cuadros predominantemente en blanco y negro, con toques de rojo, de pequeño formato y con una cierta evocación a las escenas norteamericanas descritas por Norman Rockwell.
Espectador curioso, irónico, humorístico, a veces erótico, pero con una mirada limpia redentora.
Cine negro americano
“El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos entre la década de 1930 y 1950 (aunque su pleno apogeo ocurre entre las décadas de 1940 y 1950). Se suele considerar como la primera película de este tipo a El halcón maltés, de John Huston, con Humphrey Bogart y Mary Astor, estrenada en 1941.
La expresión «cine negro», del francés film noir, fue acuñada por primera vez por el crítico Nino Frank, italiano de padres suizos que realizó su carrera profesional en Francia.1 Es usada por la crítica cinematográfica para describir un género de definición bastante imprecisa, cuya diferenciación de otros géneros como el cine de gángsters o el cine social es sólo parcial. Habitualmente, las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales con un fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual. Su construcción formal está cerca del expresionismo. Se emplea un lenguaje elíptico y metafórico donde se describe la escena caracterizado por una iluminación tenebrosa en claroscuro, escenas nocturnas con humedad en el ambiente, se juega con el uso de sombras para exaltar la psicología de los personajes. Algunos de estos efectos eran especialmente impactantes en blanco y negro. Al mismo tiempo, la personalidad de los personajes y sus motivaciones son difíciles de establecer (caso paradigmático son los detectives privados, frecuentes protagonistas del género, tales como Sam Spade o Philip Marlowe). Las fronteras entre buenos y malos se difuminan y el héroe acostumbra a ser un antihéroe amenazado por un pasado oscuro.
El cine negro presenta una sociedad violenta, cínica y corrupta que amenaza no sólo al héroe/protagonista de las películas sino también a otros personajes, dentro de un ambiente de pesimismo fatalista. Los finales suelen ser agridulces cuando no presentan directamente el fracaso del protagonista. Otro punto característico del cine negro es la presencia de la femme fatale, la mujer fatal que, aparentemente inofensiva, puede conducir a sus víctimas al peligro o a la muerte. Las novelas de Dashiell Hammett y Raymond Chandler, con sus detectives Spade y Marlowe, son fuentes habituales de los guiones de este género.”*
* https://es.wikipedia.org/wiki/Cine_negro
LA PARADOJA DEL TIEMPO
Jaime Mestres Estartús toca con esta colección sobre Cine Negro Americano mi fibra sensible de cineasta y pintor, pues mi trayectoria creativa se ha sustentado en gran medida sobre la paradoja del tiempo que une y diferencia la pintura del cine. Como me gusta indicar, un cuadro es una película parada y una película es un cuadro en movimiento, a decir verdad veinticuatro cuadros o más por segundo*
* veinticuatro cuadros o fotogramas por segundo en cine, veinticinco en video, actualmente incrementándose en cine digital.
En el cine la imagen cambia y pasa con una duración entre el principio y el final bastante efímera y con el espectador bastante inmóvil, normalmente sentado, mientras que en la observación de la pintura presencial es el cuadro el que permanece aparentemente quieto mientras el espectador, los espectadores, se mueven, pasan, nacen, mueren y se renuevan generacionalmente ante él.
El concepto de permanencia en ambos casos implica una meta-permanencia más que física en la memoria colectiva y en las reproducciones periféricas, tales como fotografías, artículos y publicaciones, etc. En realidad el tamaño o duración de las obras tanto pictóricas como fílmicas, más allá de sus proporciones físicas o pantalla de proyección son la dimensión o magnitud de su presencia en el colectivo humano. Esto es particularmente cierto con la ampliación de visionados posibles de ambas artes con las nuevas tecnologías digitales y de la información.*
* Lo que complica e implica la ampliación también de la legislación de los derechos de autor, de explotación y de difusión.
‘MAKING OF´, CÓMO SE HACE. SIMILITUDES Y DIFERENCIAS
Hermanar el arte de la pintura con el séptimo arte es siempre afortunado y motivo de rico debate.
“A partir de la obra de Ricciotto Canudo, el Manifiesto de las siete artes, publicado en 1911 se denominó al cine como el séptimo arte para añadirlo a la lista4.
De este modo la lista quedaría como sigue:
1º La arquitectura
2º La escultura
3º La pintura
4º La música
5º La danza
6º La poesía/literatura
7º El cine “*
*https://es.wikipedia.org/wiki/Numeraci%C3%B3n_de_las_artes
Las muchas analogías y diferencias que podemos encontrar entre ambas artes darían para extensos tratados. Apunto aquí sólo dos de ellas. Ambas expresiones reflejan, como todo arte, su tiempo y la sensibilidad del artista, mientras una es material como la escultura la otra es inmaterial como la música.
Importa mucho también que mientras que para pintar un cuadro, como para escribir un libro, suele bastar una inversión económica reducida y la sola dedicación del autor, la industria del cine requiere para la creación de una película de una amplia, o enorme, dotación económica y participación de especialistas.
MITOLOGÍA DEL CINE
El cine es un gran creador de mitología - no sólo un muestrario o docente de hábitos y costumbres, que también, p. ej. muchos aprendieron a besar viendo cine, recordemos la encantadora secuencia de ‘Cinema Paradiso´ con los besos censurados.
Jaime Mestres Estartús nos propone un recorrió de piezas maestras del cine, todas ellas impactan en nuestros sentimientos como la primera canción de amor. Un desfile monumental de pasiones, de títulos inolvidables, de actores míticos y directores consagrados ¿Cómo competir con tal potencia de sentimientos para que el tema no vampirice la pintura? Jaime lo resuelve magistralmente, la pintura no compite con el plano o secuencia descritos, simplemente incorpora su evocación, incorporando el cine al lienzo y el lienzo a la película, formando un todo indivisible. Jaime nos convierte de nuevo en espectadores de todas estas míticas películas, nos lleva al cine en una mágica sesión múltiple en forma de observadores de pintura. Nos sienta en la sala de proyección de una galería de arte. Crea un trenzado sutil y bien trabado en dos templos del arte, y vemos cine mientras admiramos pintura en un verdadero homenaje a ambas artes.
ESTARTÚS, PINTOR
Estos cuadros son pintura creada por un artista que domina tanto la abstracción como la figuración, esto no son películas como la pipa de René Magritte no es una pipa, pero si son películas y si es una pipa. Esa es la magia y el paradigma del arte. Quien admire estos cuadros y quien tenga la fortuna de llegar a poseer alguno de ellos habrá detenido obras del arte de cine en obras de arte de pintura, sentirá de nuevo los amores, los odios, los deseos y las pasiones en pantallas mentales que no acaban con la proyección si no que permanecerán en nuestro corazón toda la vida en una inacabable sesión de arte, de pintura y de cine”.
Si (
No(
